2015exhibit

2015. 2.5 – 3.3 / Bryn Davies / 아시아 산수 Asia Landscape

Light drawing seoraksan III, 36x36(inch), Archival Pigment Ink Print, 2014

Light drawing seoraksan III, 36×36(inch), Archival Pigment Ink Print, 2014

서양인들은 동양의 산에 신비로움을 품고 있어 매료되는 것 같다. 서양의 산과 달라서 일 것이다. 그 ‘다름’이 그의 시선에서는 새로운 사유의 근원이 시작되었던 것 같다. 2015년 2월 작가 Bryn Davies의 “아시아 산수” 사진이 그 것이다.

서양회화의 ‘황금분활 법칙’과 그것들에 근거한 시각예술로의 논리,  3차원이 2차원으로 재현되어 3차원적 착시를 이루게 하는 원리, “선 원근 법“이 산업혁명 이후의 사회적 토대에 근거한 사유체계, 즉 과학적, 기계학적 원칙에 의한 조형 론의 원근법이, 동양화의 “공기 원근법적 논리”에 비해 뒤떨어져 있다는 생각을 하고 있다.  그가 나름의 선진화한 동양화의 “여백처리에 의해 표현된 3차원 재현 효과”가 주는 “그 새로움”으로 느낀 지점을 실현해 보려한 작업이 “아시아의 산수”이다.

서양 미술의 선 원근논리의 시각세계에 익숙한 Bryn Davies는 아시아의 산을 통해 새로운 인식체계를 구축한 듯 보여 흥미롭다. 그는 서양회화의 선형적 조형에 비해 동양화의 수묵화가 갖는 비선형적 조형성에 대한 질문에 빠져들며, 동양화의 “여백의 미”를 구성해 내는 우리의 조형언어 아시아산수가 더 앞서있다고 생각한다.

산수의 풍경화가 수묵화로 처리되어짐이 서양화로는 도무지 따라잡을 수 없는 한계성이 노출되기에 그렇다. 땅(산)으로부터 하늘(구름/물)의  비 선형성적 통로를 따라 자연스럽게 시선을 유혹하고,  구름의 움직임이 사람의 직관을 이끄는,  단순함이 인간의 본능에 만족감을 줄 정도로 사색의 여정을 만들어 내기에 그는 경탄하고 매료되었다고 말 한다.  또 그것들을 표현해 내는 수묵화의 장점이 서양화로는 거의 불가능하다고 하여,  어느정도 대응이 가능한 사진작업으로서  표현미디어의 기능을 활용해 미학을 구축해 드러내었다.  이 같은 접근방식은 서양적인것이 남성적 형태언어로 보고, 여성적인 동양풍경을 통해 명상세계로 들어갔던 것 같다.

그는 공간개념을 카메라의 프레임 속 이미지의 내용이 구성해내는 공간성의 실재를 재현하려 한다. 프레임 속의 시각요소들이 서로 교감하며 내용으로 구성되어 인간심리구조에 영향을 미치는 조형언어, 직관적 에너지가 가능하기도 또는 불가능하기도 함을 말하려 한다. 특히 정 사각 프레임을 좋아하는 작가는 이 정태적 프레임 속성안에 무한의 움직임을 담아내며 구름으로 시선의 위치를 밀고 당기며, 무거움과 가벼움, 비어있음과 꽉차있음 같은 균형을 만들어 내고,  그 무한한 변화 속에서 선택된 한 찬스 프레임, 재구성 된 세계이다. 작가가 구축해 내려는 세계, 흑과 백, 동양과 서양, 음과 양 간의 그 관계성, 그것이 그가 추구하는 미학세계 이다.

Nature versus form

The artist portrayal of the Asian landscape is one of great mystery to the western trained eye, its principles in composition predate our equations of golden ratio and geometrical form language. Our industrialised foundations and mindset function largely on mechanical principles making a formless experience harder to process. In Shan Shui paintings, the viewer is naturally directed on a non liner path through the emptiness of space flowing from earth (Mountain) to heaven (Water/cloud). Intuition carries you through on a journey with rest stops of contemplation where one can make the choice of instinct gratification that comes from its initial simplicity or explore the spaces in between and pose for further reflection. Perhaps its greatest asset being that the viewer can decide. By contrast, renowned American sculptor Richard Serra (b. 1939) introduces industrial scale and material into the environment. His study and knowledge into the properties of steel allows the exploration of shape and form to become more organic and expressive in nature. With the material being a facilitator and not the subject, one must explore the space in and around in order to create an impression on the mind. Once again the artist retracts out of sight to allow one to develop an independent opinion. From these two approaches my curiosity spawned to juxtapose the masculine, western form language with the feminine, eastern meditation on the landscape.

Space

Photography is largely defined by the content within the frame of an image. Appearance of a subject within the frame thereby stating its presence beyond doubt, but also depriving the viewer of the ability to engage with the image and encourage further dialogue or insight to what is happening in the scene. In harnessing the power of abstraction in Western art movements from the early to mid 20th century the artists goal is to imply scale, form and subject in its simplest form, giving the viewer a starting point to further develop the scene within ones imagination. Due to the static nature of a square frame, the artist generates movement from a standing start. With the ability to push and pull the eye, balance and counterbalance the weight and emptiness through composition. This offers greater possibilities in variations of space than riding the current of the golden ratio or mean found in a more elongated canvas. Bringing the western trained eye more in sync with the interrelation of primary opposites. Creating synergy between black and white, east and west, yin and yang.

Pine tree

Nature is not without its folklore. Elements of the natural world have long been the muse in which to express philosophy over time. For instance a pine tree, which represents longevity, regularly make an appearance. The features of a pine tree are in sync with its environment, displaying its story like a portrait of an ageing face. Anchored to the earth beside a deep precipice living both a dangerous yet romantic life, projecting a soul more individual compared to those amongst the forest. An image for anyone wishing to serve or govern rather than live amongst the mass. The pine tree is not always prevalent within the image. Its presence may be more forthcoming for dialogue in presentation similar to traditional Sagunja paintings, or subtly retreating in the background keeping a watchful eye on the broader scene.

 

Light drawing zhangjiajie II, 30x30(inch), Archival Pigment Ink Print, 2013

Light drawing zhangjiajie II, 30×30(inch), Archival Pigment Ink Print, 2013

Light drawing seoraksan V, 36x36(inch), Archival Pigment Ink Print, 2014

Light drawing seoraksan V, 36×36(inch), Archival Pigment Ink Print, 2014

Light drawing huangshan III, 15x15(inch), Archival Pigment Ink Print, 2012

Light drawing huangshan III, 15×15(inch), Archival Pigment Ink Print, 2012

Light drawing seoraksan I, 36x36(inch),Archival Pigment Ink Print, 2014

Light drawing seoraksan I, 36×36(inch),Archival Pigment Ink Print, 2014

Light drawing zhangjiajie IV, 30x30(inch), Archival Pigment Ink Print, 2013

Light drawing zhangjiajie IV, 30×30(inch), Archival Pigment Ink Print, 2013

Light drawing seoraksan II, 36x36(inch), Archival Pigment Ink Print, 2014

Light drawing seoraksan II, 36×36(inch), Archival Pigment Ink Print, 2014

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